Donnerstag, 4. Oktober 2018

Oliver Masucci: 'Bei Kunst zählt die Idee'

Ich habe mit Schauspieler Oliver Masucci über Werk ohne Autor, die Arbeitsweise von Regisseur und Autor Florian Henckel von Donnersmarck sowie unschäne Floskeln gesprochen.

Ich mutmaße, dass sich der Großteil des Diskurses rund um Werk ohne Autor auf die Geschichtsverarbeitung Deutschlands beziehen wird. Aber eine Szene, die mir sehr imponiert hat, ist die Museumsführung direkt zu Beginn. Indirekt zeigt sie auf, welch deutsches Unding die oft im harmlosen Scherz gesagten Sprüche "Ist das Kunst oder kann das weg?" und "Also, das hätte ein fünfjähriges Kind auch malen können!" sind ...
Es ist furchtbar! Es ist grauenhaft! "Das kann ich auch" gehört genauso zu solchen schlimmen Sätzen. Bei Kunst zählt die Idee, die ist das interessante. Das Herstellen am Ende ist nur sekundär. Es ist mir egal, wenn jemand denkt, sein kleines Kind könnte technisch dasselbe abstrakte Bild herstellen – es würde in kaum einem Fall auf dieselbe Idee kommen! Die Idee steht in der Kunst über dem Herstellungsprozess, die Idee muss daher entlohnt werden – was manch einer aber nicht begreifen will. Damit bekommen wir dann solche Sätze zu hören wie: "Ja, wenn ich die Idee gehabt hätte, hätte ich das genau so machen können …" Aber man hat die Idee nicht gehabt, das ist ja der Punkt! Da herrscht so eine Begriffsstutzigkeit vor, bei manchen Menschen, das ist zum Haare raufen.

Wenn man mal überlegt, wie Beuys, an den meine Figur in Werk ohne Autor angelehnt ist, die Nation gespalten hat, bloß weil er einen Hut getragen hat. Er wurde dadurch zu einem Hüter, oder für manche zum Verräter, des Menschseins, des Kunstprozesses und des Kunstverständnisses, und das zu großem Teil allein dadurch, dass manche Leute ihn partout nicht verstehen wollten. Man kann mir nicht sagen, dass die Leute Beuys nicht verstehen konnten – sie wollten ihn nicht verstehen! Allein, weil er einen Hut getragen hat. Durch so etwas kann man unsere Nation spalten! Das finde ich irre!

Erst recht, wenn man bedenkt, was er dann letztlich trotz dieser Kontroversen uns hinterlassen hat: Erst kürzlich bin ich in Kassel mit dem Auto an den Bäumen vorbeigefahren, die er gepflanzt hat – die sind zu einer richtigen Allee herangewachsen. Das ist ein landschaftliches Kunstwerk, das über seinen Tod hinaus Bestand hat und noch immer weiter wächst. Das ist absoluter Wahnsinn, mir sind die Tränen gekommen, als ich das gesehen habe. Aber was hat die 'Bild'-Zeitung geschrieben, als Beuys gestorben ist? "Deutschlands größter Scharlatan ist tot." Das muss man sich mal vorstellen, was das für eine Zeit war, in der er agiert hat und sich zerschlissen hatte. Beuys meinte ja: Der Mensch muss am Ende seines Lebens zerschlissen sein, denn wenn er in gutem Zustand stirbt, wäre das tragisch, eine Verschwendung. Wenn ein zerschlissener Mensch stirbt, habe es dagegen einen Sinn. Dann hat er sich aufgebraucht, für die Menschen um sich herum und für die Kunst. Und so einen klugen, einsichtigen Menschen nannte man damals Scharlatan …

Wo liegen denn Ihre persönlichen Vorlieben in der Kunst? In der Aktionskunst wie der von Beuys, in der abstrakten oder doch eher in der naturalistischen Malerei, oder, oder ..?
Mein Kunstlehrer war Beuys-Schüler, und daher habe ich viel über Fluxus und Happenings gelernt – und ich denke, das hat meinen Blick auf Kunst schon stark beeinflusst. Und dann war auch noch der Vater meiner ersten Freundin ein Künstler, mit dem ich mich sehr gut verstanden habe. Er war ebenfalls Beuys-Schüler, und wir haben zusammen ein Pergament bemalt, das wir daraufhin dreidimensional als Plastik gestaltet haben.

Ich habe auch danach mit einigen Künstlern zusammengearbeitet. Ich habe zum Beispiel mit Erwin Wurm einige One Minute Sculptures gemacht und auch eine Wortskulptur in Salzburg, wozu er einen kunsttheoretischen Text geschrieben hat, den wir in der Skulptur ausgedrückt haben. Wir haben ihn auf einer Ausstellung aber auch vorgetragen, was eine sehr interessante Erfahrung für mich war, weil Ausstellungspublikum komplett anders reagiert als Theaterpublikum.

Ich habe immer gerne mit diesem Schlag von Leuten zu tun. Ich betrachte auch die Schauspielerei als Kunst. Das geht für mich alles Hand in Hand. Und es ist stets schön, Impulse zwischen den Künsten auszutauschen, denn schauspieltechnisch können wir das, was in einer Aktionskunst von jemandem wie Marina Abramovic steckt, gar nicht erfassen. Doch die Gefühle, die bei mir entstehen, wenn etwa Abramovic auf der Chinesischen Mauer auf ihren Mann zuläuft, um sich danach von ihm zu trennen, nehme ich oft in mein Schauspiel mit.

Ich nehme mir nicht vor "Ich mache das jetzt so oder so", sondern ich nehme diese Eindrücke als Fundament für mein Gemüt und spiele dann drauf los. Ich halte das für ergiebiger als das große Theoretisieren meines Schauspiels, denn so kann ich einen fremden Erfahrungsschatz zumindest zu einem Teil für mich vereinnahmen, was die Bandbreite der Rollen, die ich mir zutraue, enorm erweitert. Ich muss mich so nicht auf einen Satz oder ein Wort aus dem Skript verlassen, sondern kann mich von der Kunst beflügeln lassen.

Wie ist Ihr Eindruck von Florian Henckel von Donnersmarck als Regisseur? Gehört er zu den Regisseuren, die ihr Ensemble an der langen Leine lassen? Oder hat er eine sehr konkrete Vision, die er seinen Darstellern einflößt?
Ganz klar letzteres. Er hat eine sehr starke, ausformulierte Vision und er ist sehr genau in dem, was er tut. Sein Arbeitsprozess besteht daraus, dass er sich sehr viel Zeit nimmt, einem zu erklären, was er sehen möchte und weshalb. Er will, dass wir verstehen, wieso etwas auf eine bestimmte Weise gemacht werden sollte. Gleichzeitig ist er aber auch ein Regisseur, der sich auf der Suche befindet. Er sucht sehr genau, auch noch während der Arbeit. Das heißt, dass die Drehtage mit ihm sehr lang werden, weil es sein kann, dass man zwei Stunden etwas gedreht hat, er es dann aber verwirft, so dass man wieder neu anfängt, damit er eine Szene völlig neu aufrollen kann. Das klingt vielleicht paradox, aber das sind zwei ergänzende Seiten an ihm.

Und die Genauigkeit kommt seinem Drehbuch sehr zugute, da es wirklich bis in die kleinsten Psychologismen ausgearbeitet ist und wir als Schauspieler eine sehr verständliche, fundierte Grundlage erhalten. Dieser Vorarbeit zum Trotz nimmt er uns Schauspieler als Künstler sehr ernst, weswegen er in einem sehr respektvollen Umgang mit uns auf die Suche geht, was abseits des Drehbuchs möglich wäre, oder sich aus ihm heraus noch erarbeiten ließe. Da, wo Andere nur schnell, schnell fertig werden wollen, nimmt er sich die Zeit, weiter zu suchen. Und das habe ich sehr, sehr an der Arbeit mit ihm genossen. Dass sich jemand so viel Zeit nimmt, so genau zu arbeiten und darauf wert zu legen, das zu erreichen, was ihm vorschwebt und darüber vielleicht sogar hinaus geht, statt einfach bloß das Ding in den Kasten kriegen zu wollen, hat mir sehr imponiert. Erst recht, weil er dabei dich als Person und Künstler so sehr wertschätzt und mit dir ein Team bildet.

Ich schätze, dass das der Grund war, weshalb Werk ohne Autor so viel später fertig wurde als anfangs vermeldet, denn er hat auch im Schnitt so genau gearbeitet wie mit uns am Set. Was sich aber auch voll und ganz gelohnt hat! Es ist ein sehr spannender und dramatischer Film geworden.

Und ein thematisch sehr dichter. Die vorhin besagte Komponente, dass er die weitläufige Kunstskepsis in unserem Land kritisiert, ist ja nur einer von vielen inhaltlichen Aspekten des Films. Er ist darüber hinaus ja unter anderem der Versuch einer kulturellen Zeitkapsel dreier deutscher Epochen …
Richtig, wobei ich finde, dass sich der Kern des Films dessen ungeachtet auf einen Satz reduzieren lässt: Die Kunst erahnt etwas, was der Geist noch nicht begreifen kann. Damit lässt sich der Film in all seinen Facetten zusammenfassen. Es geht um ein Bild, in dem mehrere Personen zu sehen sind, die auf tragische, erschreckende Weise verbunden sind – und der Künstler weiß es nicht. Im Fall Gerhard Richter, der die Inspiration zu Tom Schillings Figur in Werk ohne Autor war, fand erst Jahrzehnte nach Entstehung des Bildes, ein Geschichtshistoriker diese Zusammenhänge heraus. Aber in der Kunst hat dieser Mann diese Personen bereits zusammengebracht – da bekomme ich Gänsehaut, wenn ich darüber nachdenke. Und das ist ja kein Einzelfall. Ich bin davon überzeugt, und finde es daher so aufwühlend: Die Kunst kann dem Verstand voraus sein.

Man sagt nicht umsonst 'Das Leben imitiert die Kunst', denn Beispiele gibt es zur Genüge. Orwells 1984 dürfte da wohl eines der Paradebeispiele für sein …
Ganz genau. Der hat es vorausgeahnt und wir sind da nun schon weit drüber hinausgeschossen. Es ist erschreckend. Wir sind so überwachbar, und wir merken es nicht einmal. Schlimmer noch: Wir nehmen es als Luxus wahr. Keiner will zu kritisch darüber nachdenken, denn würde man es, müsste man Konsequenzen daraus ziehen und sein Leben verändern. Und Veränderung ist dem Menschen ja zuwider. Veränderung kommt mittlerweile nicht mehr aus den Menschen heraus, sondern kommt von außen. Wenn Kriege ausbrechen oder ähnliches passiert, dann bequemen wir uns langsam aus der Gewohnheit heraus. Aber von uns aus, in Voraussicht, Dinge zu bewegen? Dafür graut es vielen Menschen, leider. Der Mensch erträgt lieber Situationen, die er ganz furchtbar findet, statt eine Veränderung zu wagen. Denn die Angst vor der Veränderung ist noch größer als das Leiden unter der gegebenen Situation. Das ist so irre. Deshalb verliert man mit dem Wort 'Strukturveränderung' jede Wahl. (lacht)

Zum Abschluss eine generelle Frage über Ihre Rollenwahl: Zieht es Sie eher zu Rollen, die Ihnen völlig fremd sind, oder ziehen Sie es doch vor, sich wenigstens in einem Aspekt Ihrer Rolle wiederzufinden?
Ich suche immer nach der Komponente, die mir am nächsten ist. Wenn ich den Punkt finde, der bei mir ist, dann kann ich die Figur mit Leben füllen – und dann kann ich mir auch all das an ihr erarbeiten, was überhaupt nicht meinem Naturell entspricht. So war es auch beim van Verten in Werk ohne Autor: Der eine Kreis bin ich als individuelle Person. Der andere Kreis, das ist das Vorbild Beuys. Und in der Mitte, da ist eine Schnittmenge. Ich versuche, mich zu der hinzubewegen und von dort aus die eigene Sprache dieser Figur van Verten zu entwickeln, und von da aus entwickelt sie dann ihre weiteren Eigenheiten.

Ich brauche das – in jeder Figur brauche ich etwas, das mich berührt. Und das können die Emotionen einer Figur sein, oder ich ziehe mir die Emotion aus einem Umweg. Wenn ich zum Beispiel Genre spiele, und eine wirklich widerliche, fiese Type spiele, dann suche ich mir ein Vorbild und ziehe meine Emotion aus dem Spaß daran, dieses Vorbild auf meine eigene Weise zu interpretieren. Das kann auch eine große Freude sein. Aber die Rollen, die mir am meisten gefallen, sind dann doch die, die etwas tief in mir berühren, das ich vielleicht auch selber nicht benennen kann, was mich aber zu Tränen bewegt. Die Rollen fallen mir dann auch am leichtesten zu spielen, weil ich aus dieser Emotion heraus einfach entstehen lassen kann.

Vielen herzlichen Dank für das Gespräch.

Werk ohne Autor ist in vielen deutschen Kinos zu sehen.

Sonntag, 30. September 2018

Monster Trucks


Die Prämisse hinter Monster Trucks ist schräg: Ein Jugendlicher, der in seiner Freizeit auf dem Schrottplatz eines Bekannten einen Monstertruck baut, lernt ein krakenähnliches Tentakelmonster kennen. Dieses wurde bei den Bohrungen einer ruchlosen Ölfirma aus seinem natürlichen Habitat, einem jahrtausendealten Höhlensee, vertrieben – und ernährt sich hauptsächlich von Öl. Während die Schergen des keinerlei ökologisches Gewissen aufweisenden Konzerns nach dem Wesen suchen, versteckt es der Freizeitautomechaniker in seinem selbstgebauten Monstertruck. Es entsteht eine ungewöhnliche Freundschaft.

Wer nun vor sich hin flüstert: „Das klingt so, als hätte es ein Kleinkind geschrieben“, liegt richtig. Ein hohes Tier bei Paramount wollte dafür sorgen, dass es wieder mehr Originalstoffe für Familien zu sehen gibt. Und fragte seinen vierjährigen Sohn, welchen Film Papis Firma mal drehen sollte. Das allein reicht schon, um einige Filmliebhaber vollauf gegen Monster Trucks aufzubringen. Aber, ganz ehrlich: Diese Verurteilung ist doch bescheuert!

Kinder der 80er-Jahre wuchsen mit Ninjakampfkünste einsetzenden, pubertierenden Mutationsschildkröten auf, die nach Künstlern der Renaissance benannt sind. Kinder der 90er-Jahre mit einem Buben, der kleine, knuffige Monster einfängt und sie gegen die kleinen, knuffigen Monster anderer Trainer antreten lässt. Kinder der frühen 2000er-Jahre mit Geschichten aus einer ausschließlich von motorisierten Fahrzeugen bevölkerten Welt, in der ein Rennwagen und ein verrosteter Abschleppwagen beste Freunde sind. Und für jede dieser Dekaden gibt es mindestens zwei Dutzend weitere, ähnlich haarsträubende Exempel.

Darum: Liebe Cineasten, liebe ältere Geschwister, liebe Eltern. Liebe Zyniker unter den Kindern: Nehmt die Existenz von Monster Trucks hin, lasst denen ihren Spaß, die die Idee positiv-ulkig finden. Ob nun ein Krakenmonster unter der Motorhaube eines Trucks lebt oder sich Roboteraußerirdische auf der Erde in Autos verwandeln und bekriegen: Gaga-Konzepte haben ihre Daseinsberechtigung. Die Frage ist nicht: „Wie kommt man nur auf solch verquere Ideen?“ Sondern: „Wie gut ist diese Idee denn nun umgesetzt?“

Die angesichts dieser nach „Brainstorming nach Zuckerschock“ klingenden Prämisse überraschende Antwort: Sehr altmodisch. Ice Age-Regisseur Chris Wedge nimmt über weite Strecken des Films das Tempo raus, schaltet zwei oder drei Gänge niedriger als übliche Familienfilme mit quirligen High-Concept-Ideen dieser Zeit. Der Schnitt ist ruhig, die Kameraführung aufgeräumt und frei von den Extremnahaufnahmen aus der Froschperspektive, die seit den 90er-Jahren diese Filmgattung plagt. Komponist Dave Sardys Musik ist zwar vollkommen zahnlos, jedoch harmonisch und leise abgemischt, nie zerstört hochaktuelle Chartmusik die Immersion der Story.

Monster Trucks ist ein im Heute verorteter Familienfilm, wie er in den späten 70ern oder den frühen bis mittleren 80ern hätte entstehen können. Obwohl die „Ein Junge und sein seltsames Wesen“-Masche im Fahrwasser von Spielbergs E.T. – Der Außerirdische vielfach kopiert wurde, wäre es ungerecht, Monster Trucks über denselben Kamm zu scheren. Denn Wedge übt sich nicht im üblichen Spielberg-Mimikry, drückt weder auf die Tränendrüse, noch betont er doppelt und dreifach die Magie, die vom letztlich Creech genannten Monstrum ausgeht. Ohne behutsam eingesetzten Pathos, mit nur holzschnittartigen Figuren und einem Mangel an einprägsam vermittelten Wortwechseln geht Wedges Film allerdings auch ein gutes Stück des Zaubers verloren, den einen echten Familienfilmklassiker dieser Gattung erst unvergesslich macht.

Dank hervorragender Computereffekte, die einen fast glauben lassen, Creech sei nicht etwa ein digitales Wesen sondern der aufwändigste haptische Spezialeffekt der vergangenen Jahre, und den charmanten Hauptdarstellern manövriert sich Monster Trucks dennoch ins gehobene Mittelmaß für Kinderfilme mit verrückten Grundideen. Die goldige Interaktion zwischen Protagonist Lucas Till, der weiblichen Hauptdarstellerin Jane Levy und Creech rundet dies stimmig ab. Gewiss, Till und Levy sind wesentlich älter als ihre Rollen, was im Zusammenspiel mit den altersgemäß besetzten Darstellern der weiteren Kinderrollen für skurrile Anblicke sorgt. Und die Umweltschutz- und Tierschutzmoral des Stoffes ist zwar löblich, von Autor Derek Connolly aber arg schwerfällig umgesetzt.

Als amüsanter, statt brüllend-komischer, und besonnen-abenteuerlicher, statt durchgeknallter und aufregender, Familienfilm positioniert sich Monster Trucks irgendwo in einem Publikumsniemandsland. Den Einen zu albern, den Anderen zu harmlos. Vielen Älteren zu kindlich, wohl vielen Kindern zu altmodisch. Aber als liebenswerte, originäre Familienunterhaltung, die das Heute und das Gestrige versiert vereint, dürfte Monster Trucks wenigstens einige Neugierige in dieses Niemandsland locken. Es ist Elliot, der Drache mit Metall, Motoren und Tentakeln. Das lädt vielleicht zum Naserümpfen ein – dank der souveränen, wenngleich nicht ideenstarken Umsetzung wird es aber auch einige kleine Kinogänger und im Herzen junggebliebene Filmfreunde auf unerwartete Weise verzaubern.

Fazit: Ein unter der Motorhaube eines Trucks lebendes Tentakelmonster und seine menschlichen Freunde: Was nach irrem Familienwahnsinn klingt, ist in Wahrheit ein verspielter, knuffiger Familienspaß nach alter Schule, dem schlicht der glühende Funken Etwas fehlt.

Freitag, 21. September 2018

Jackie


Attribute, wie sie der Königin in einem Märchen zustehen: Großes Stilbewusstsein, eine höchst elegante Erscheinung, ein formidables Gefühl dafür, was das Volk will oder gefälligst zu wollen hat. Ein enormes Kunstverständnis, kultivierte Manierismen und Eindruck schindendes Bücherwissen. Adliges Auftreten, demokratische Werte. Das Äußere einer Debütantin im bildungssprachlichen Sinne, die Kulturkenntnisse einer Geisteswissenschaftlerin.
Widersprüche, die sich formidabel ergänzen: Von Jacqueline Kennedy Onassis' öffentlicher Persona ging eine Faszination aus, die Zeitgenossen kaum in Worte zu fassen wussten. Und die all jene, die zu spät zur Welt kamen, um diese Frau auf dem gesellschaftlichen Parkett erleben zu können, einem Mythos gleichend nacherzählt bekommen.

Don’t let it be forgot, that once there was a spot, for one brief shining moment that was known as Camelot. Wie so manche mystische Erzählung, so hat auch die Legende der Jackie Kennedy einen düsteren Beiklang. Denn ihre womöglich am längsten nachwirkende Handlung entwuchs aus einer Tragödie. Die Tochter eines Stockbrokers und einer Salonlöwin setzte der US-amerikanischen Geschichte erst durch ihre Reaktion auf das tödliche Attentat an ihrem Gatten John F. Kennedy so richtig ihren Stempel auf. Jackie, zuvor für ihr Glamourleben beneidet und mit einem Emmy für ihr sie damenhaft und etwas gespielt-naiv zeigendes Fernsehspecial ausgezeichnet, demonstrierte Würde, stoische Ruhe und eisernen Willen. Ohne dabei kalt zu erscheinen.

Aber dies ist nur ein Steinchen im Mosaik der Jackie Kennedy. In den Tagen nach dem schicksalshaften 22. November 1963 hatte sie sich unentwegt zu wandeln: Öffentlich auf vorbildliche, ja, so makaber es klingen mag, ikonische Weise trauernd. Hinter verschlossenen Türen beharrlich kämpfend. Darum, ihre Würde zu bewahren. Ihr Gesicht bei ihren Vertrauten. Um die Achtung, die ihr andere Politiker entgegenbrachten, als sie noch First Lady war – und nicht Witwe eines früheren Präsidenten. Um ihren Verstand, musste sie doch aus unmittelbarer Nähe den Tod ihres Gatten miterleben. Um ihren Status und den ihres verstorbenen Mannes. Darum, durch einen sagenhaften Abgesang diesem abrupten, brutalen Ende einer Präsidentschaft zum Trotz aus dem Handeln ihres Mannes ein denkwürdiges, würdevolles, imposantes Gesamtkunstwerk zu konstruieren.

Die Märchenkönigin muss zum ein scharfes Schwert schwingenden einsamen Ritter werden, um ihre Grazie zu verteidigen. Hindernisse brutal niederknüppeln, um das Augenmerk auf ihren Verstand zu lenken. Don’t let it be forgot, that once there was a spot, for one brief shining moment that was known as Camelot.

Regisseur Pablo Larraín (El Club, No!) lässt gar nicht erst zu, dass wir diese Transformation der Märchenkönigin zum Ritter, und vom Ritter zur graziösen, wohl aber gerissenen Sagengestalt in Ruhe beobachten. Der Chilene verhindert eine aus sicherer Distanz erfolgte Betrachtung des albtraumhaften Lebensabschnitts der Jackie Kennedy. Er nimmt die Ferngläser seines Publikums, lässt sie durch die dissonante, das Trommelfell mit beunruhigender Präzision penetrierende Instrumentalmusik Mica Levis zerspringen. Trübt, um auf Nummer sicher zu gehen, den Blick mittels grobkörniger, gräulich verschleierter Kameraaufnahmen Stéphane Fontaines.

Larraín fährt näher heran. So nah, dass sich die Sorgenfalten der bildhübschen Jackie wie Kluften auftun. Noch näher. So nah, dass jedes Äderchen in ihren Augen im Flüsterton davon erzählen kann, welch Grauen es sehen musste und wie es dies verarbeitet. So nah, dass die titelgebende Literaturconnaisseuse gewissermaßen zum Schauplatz dieses Films wird. Ihr Verstand formt die Ausgestaltung und Beschaffenheit dieses Films. Er weist den Knochenbau eines biografischen Dramas auf, doch die Gehirnmuskulatur eines Psychogramms, die Muskeln eines sozio- und medienpolitischen Thrillers und das Gewand eines garstigen Horrorfilms.

Don’t let it be forgot, that once there was a spot, for one brief shining moment that was known as Camelot. Elliptisch gestaltet Larraín ein feingliedrig beschreibendes, mit der emotionalen Wucht eines Kopfschusses operierendes Porträt. Sprunghaft. Den viel beweinten, vollauf analysierten, Jackies Leben aus den Fugen bringenden, ihren Charakter zementierenden Tag entschlüsselnd. Ihr Gespräch mit dem 'Life'-Journalisten Theodore H. White nachstellend, nein, romantisierend, nein, demontierend. Zurückschweifend auf Tage wie aus einer eloquent beschriebenen Gute-Nacht-Mär. Aufbrechend, durch Szenen über Jackies Sinn- und Gewissenssuche. Die Form: Selbstkritisch-reflexive Gespräche mit einem Mann des Glaubens. Übergehend in die vorwurfsvollen, verteidigenden, abgebrühten, zurückhaltenden Gespräche mit White. Und zurück.

Cutter Sebastián Sepúlveda verwirrt so lange, bis die Desorientierung erst wirklich die Augen öffnet. Die Augen öffnet, um jede noch so dezente Nuance in Natalie Portmans Darbietung zu sehen. Sticht aus ihren versierten Augen eine verstörte oder verstörende Verbissenheit? Ein verzogener Augenwinkel genügt, so dass Abgeklärtheit abklingt und Aggressionen zu erkennen gibt. Melancholisch mäandernd und wissentlich Weltschmerz davontragend: Diese Darbietung sucht ihresgleichen, ist konstant, jedoch variantenreich; vielschichtig, dennoch klar. Portman, Kennedy: Ein von der Leinwand brennender Mittelpunkt eines psychologischen, intellektuellen Geniestreiches mit wehmütiger Seele. Der Fokus eines unnachahmlichen Denkmals für eine zur Legende gewordenen Frau. Die einen Mythos zu bewahren hatte. Zu erfinden. Zu leben. Don’t let it be forgot, that once there was a spot, for one brief shining moment that was known as Camelot.

Donnerstag, 19. Juli 2018

Die erfolgreichsten Musicals in Deutschland (Rang elf bis 20)

Deutschland, das Land der Musicalmuffel? Fast mag man das glauben: Der US-Sleeperhit Greatest Showman generierte hierzulande wohlwollendere Kritiken als bei der Presse auf der anderen Seite des Teiches, und dennoch ließen sich nur 710.500 Menschen von Hugh Jackman, Zendaya, Zac Efron und Konsorten in die Kinos locken. Tim Burtons blutiges Musicaldrama Sweeney Todd - Der teuflische Barbier aus der Fleet Street kam sogar nur auf 467.343 verkaufte Eintrittskarten - und dabei erschien er auf der Höhe des Johnny-Depp-Hypes. Selbst der (von Disney finanzierte) deutsche High School Musical-Abklatsch Rock it! erreichte mit 474.361 ein größeres Publikum.

Andererseits überrascht das deutsche Kinopublikum immer wieder: Der berühmt-berüchtigte Musicalstreifen Xanadu brachte es irgendwie auf mehr als 0,97 Millionen Interessenten, und der allmählich in Vergessenheit geratene Rockfilm Tommy, den ich hier mal als Musical zähle, brachte es damals auf 1,2 Millionen. Damit ist er auch extrem nah dran, zu den 20 erfolgreichsten Realfilmmusicals der deutschen Kinohistorie zu zählen.

Die Plätze 20 bis elf möchte ich euch nun an dieser Stelle präsentieren. Dabei gilt: Die Definition eines Musicals ist etwas schwammig, weshalb ich mich mit mir darauf geeinigt habe, dass die Gesangs- und Tanzsequenzen einen erheblichen Teil des Films ausmachen sowie die Story und/oder Figurenzeichnung vorantreiben müssen. Trotz mehrerer kleiner Gesangseinlagen sehe ich Mel Brooks Robin Hood - Helden in Strumpfhosen nicht als Musical, während euch auf Platz 19 ein Film begegnet, dessen Gesangseinlagen diegetisch sind, aber so aussagekräftig über die Figuren sind, dass der vermeintlich realistische Überbau des Films für mich wie ein narratives Gimmick daherkommt wie auch die Traumsequenzen im Musicalfilm Chicago. So oder so: Viel Spaß beim Entdecken und Erinnern!

Platz 20: Bibi & Tina: Voll verhext! (1,29 Millionen Ticketverkäufe)

Wow: Der zweite Teil von Detlev Bucks Bibi & Tina-Reihe kam nur neun Monate nach dem Erstling heraus. Was für ein Mordstempo. Und es lohnte sich: Die Fortsetzung erreichte an den Kinokassen über 127.000 Menschen mehr als der Beginn der musikalischen, kreativen Filmreihe voller Hexerei, Pferde, Teenie-Romanzen und verspielter Gags. Die mehrere Stimmungen und Stile durchlaufende Musik stammt, wie auch in den anderen Filmen der Reihe rund um die titelgebenden, von Lina Larissa Strahl und Lisa-Marie Koroll verkörperten Freundinnen, von Peter Plate, Ulf Leo Sommer und Daniel Faust.

Platz 19: A Chorus Line (1,30 Millionen Ticketverkäufe)

Die von Richard Attenborough inszenierte Filmadaption des gleichnamigen Broadwaymusicals des Duos James Kirkwood, Jr. & Nicholas Dante kam zu einer Zeit raus, als das Musical nicht als besonders hip galt. Doch der Film wusste, das Problem zu umgehen: Gewissermaßen ist er lange in unserer Realität verwurzelt und zeigt eine Gruppe hoffnungsvoller Talente beim Vorsprechen und Proben eines Musicals. Insofern ist es eigentlich eher ein Filmdrama über eine Musicalgruppe, und weniger ein Musical. Zumindest eingangs. Denn letztlich singen die Figuren dann doch Lieder aus einer Show-im-Film, die perfekt zu ihrer Charakterisierung und Gefühlslage passen, und Songs, die frisch aus ihnen herausbrechen und nicht gerade als spontane Castingidee durchgehen ...

Platz 18: Moulin Rouge! (1,35 Millionen Ticketverkäufe)

Noch ein Film mit einer Show-im-Film, nur dass hier keinerlei Zweifel bestehen, dass wir es mit einem Musical zu tun haben: Der Australier Baz Luhrmann hält mit Moulin Rouge! einen farbenfrohen, fieberhaften Wahngesang auf die Liebe ab und packt auch die Handlung rund um die Show-im-Film mit Gesang und Tanz voll. Zudem ist es eines der erfolgreichsten filmischen Jukebox-Musicals der Geschichte, denn der Sensationserfolg aus dem Jahr 2001, der die Musicalkunst wieder ins Augenmerk des breiten Publikums rückte, lässt Nicole Kidman, Ewan McGregor und Co. Rock- und Popkracher dahinschmettern, als gäbe es kein Morgen.

Platz 17: Evita (1,39 Millionen Ticketverkäufe)

"Don't Cry for Me, Argentina": Die Poplegende und vielfach als Schauspielerin verrissene Madonna schlüpft in diesem von Oliver Stone mitverfassten Musical-Biografiedrama in die Rolle der Politikerin Eva Perón - und wurde 1996 nach Kinostart ausnahmsweise mit positiven Kritiken bedacht. Von Alan Parker auf der Grundlage des Musicals von Tim Rice und Andrew Llyod Webber inszeniert, ist Evita das einzige Musical des vergessenen Disney-Tochterlabels Hollywood Pictures.

Platz 16: Yentl (1,39 Millionen Ticketverkäufe)

Während Evita in Deutschland aufgerundet auf 1,39 Millionen Kinobesucherinnen und Kinobesucher kam, bringt es mit Yentl ein anderes Musicaldrama abgerundet auf 1,39 Millionen Interessenten. Von Barbra Streisand als Regisseurin, Produzentin, Drehbuchautorin und Hauptdarstellerin getragen, setzt Yentl auf Musik von Michel Legrand und Liedtexte von Alan & Marilyn Bergman. Die 1983 gestartete Adaption einer Kurzgeschichte dreht sich um das titelgebende jüdische Mädchen Yentl, das sich nach dem Tod ihres Vaters als Mann verkleidet, um an einer Religionsschule zu studieren.

Platz 15: Verwünscht (1,41 Millionen Ticketverkäufe)

Dieses Disney-Mischfilmmusical aus dem Jahr 2007 lässt Amy Adams als Zeichentrickfigur ihr märchenhaftes Reich verlassen, um im modernen New York City zu lernen, dass es mehr gibt als nur die flüchtig erfahrene, wahre Liebe auf den ersten Blick. Bestückt mit vergnügt-selbstironischen Liedern von Disneys Haus- und Hofkomponisten Alan Menken und Texter Stephen Schwartz verneigt sich Verwünscht augenzwinkernd vor dem Disney-Erbe und erarbeitete sich damit sogleich drei Oscar-Nominierungen für den besten Song. Wundersamerweise ging der Film jedoch leer aus.

Platz 14: Bibi & Tina: Tohuwabohu total! (1,65 Millionen Ticketverkäufe)

Eigentlich wollte Detlev Buck bloß eine Bibi & Tina-Trilogie drehen, doch dann ist die Welt durchgedreht, und so sah er sich gezwungen, dem jungen Publikum eine Antwort auf den entstandenen Tumult zu präsentieren: Bibi & Tina: Tohuwabohu total! handelt unter anderem von der vermeintlichen Krise, die durch Flüchtlinge entsteht, von der Angst jener, die ihr Heimatland verlassen, um woanders eine bessere Zukunft zu finden, von Irren, die Mauern aus Hass bauen und vielem mehr. Harter Tobak, verpackt in eingängigen Liedern und im Mary Poppins-Sinne mit einem Löffelchen voll Zucker verdaulich gemacht.

Platz 13: La La Land (1,81 Millionen Ticketverkäufe)

Damien Chazelles Kritikerliebling aus dem Jahr 2016 lief in Deutschland erst 2017 an - und tanzte sich unbesorgt zu überaus löblichen 1,81 Millionen losgeschlagenen Eintrittskarten. Versehen mit Texten des Greatest Showman-Duos Pasek & Paul und Melodien aus der Feder des Komponisten Justin Hurwitz, lässt La La Land Emma Stone und Ryan Gosling durch die Zwickmühle "Beruf, Berufung oder Liebe" schreiten und macht auf dem Weg zur emotional aufwühlenden, wunderschön inszenierten Lösung einen beeindruckenden Haufen an Filmreferenzen.

Platz 12: Pink Floyd - The Wall (1,83 Millionen Ticketverkäufe)

Alan Parker steuert das wohl seltsamste Musical in dieser Liste bei: Die Verfilmung des gleichnamigen Konzeptalbums der einflussreichen Band Pink Floyd ist ein surrealer (Alb-)Traum, der zwischen düsteren Alltagsbildern, unwirklichen Einbildungen und Zeichentrickelementen hin und her switcht. Grob geht es um einen Rockmusiker, der an seine Kindheit und Jugend zurückdenkt und wie im Delirium Rückschläge und Ängste vor seinen Augen aufflimmern sieht. Ein introspektives Musical aus einer filmisch und musikalisch experimentierfreudigen Zeit. 1982 konnte sowas das deutsche Publikum noch in großen Scharen ins Kino locken. Heute wäre das wohl undenkbar ...

Platz 11: Bibi & Tina: Jungs gegen Mädchen (2,00 Millionen Ticketverkäufe)

Der dritte und ursprünglichen Plänen Bucks zufolge finale Teil der Bibi & Tina-Reihe ist das High School Musical 3 dieser kunterbunten, deutschen Filmreihe: Überbordend, durchgeknallt, hoch selbstironisch und voller Film- und Musikreferenzen, die über die Köpfe des jungen Publikums gepfeffert hinwegsegeln sollten. Und ein YouTuber rappt frauenfeindliche Klischees daher. Was halt so alles passiert, im Sommercamp ...


Sonntag, 24. Juni 2018

Disneyland Paris - Mission: Solo


Ich war schon mit Freunden und Familie im Disneyland Paris. Doch nie allein. Wenn es an Urlaubsplanung ging, war es stets ein gemeinschaftliches Ding. Zudem sind Disney-Hotelzimmer in der Regel deutlich leichter zu finanzieren, wenn man sie sich teilt. Im Herbst 2017 war es aber so weit: Ich wollte dringend meinen Jahrespass ausnutzen, jedoch fanden sich keine Mitstreiter - und so fuhr ich kurzerhand für drei Tage allein gen Marne-la-Vallée. Seither bin ich im Februar 2018 ein zweites Mal solo ins Disneyland Paris geflüchtet (ich bin kein Karnevalsfreund, lebe aber mitten im jecken Rheinland, da muss jährlich ein Alternativprogramm her!) und derzeit stecke ich in den allerletzten Urlaubsvorbereitungen für meinen dritten Einzelausflug. Soll heißen: Ich packe gerade.

Ob sich ein Solotrip lohnt, ist selbstredend zu großem Teil eine Frage der Persönlichkeit. Für manche stellt sich kein Urlaubsgefühl ein, wenn man seine Eindrücke nicht mit einer Person teilen kann, die mitgereist ist. Andere können nur alleine abschalten. Daher ist dies hier eher als grobe Sammlung von Eindrücken zu verstehen, und weniger als allgemeingültiger Leitfaden. Trotzdem schätze ich, dass es so manche Disney-Fans da draußen gibt, die bislang den einen oder anderen potentiellen Trip haben sausen lassen, weil niemand mitkonnte oder mitwollte. Deswegen teile ich hier mit euch meine Erfahrungen, inwiefern sich ein Soloausflug vom 'klassischeren' Disneyland-Paris-Erlebnis in Begleitung unterscheidet.

Weniger, aber öfter
Zumindest meiner Erfahrung nach tingeln Gruppen im Disneyland Paris eine größere Reihe an Attraktionen und Shows ab. Das liegt einerseits in der Natur der Sache: Person A liebt vielleicht it's a small world, Person B ist die Bahn egal, also fährt sie mit. Dafür liebt Person B die Ratatouille-Bahn, Person A ist sie egal, also, hey, ausgleichende Gerechtigkeit ... Und so, wie ich es erlebt habe, kommt dann noch die Gruppendynamik hinzu, dass man sich schnell hochschaukelt, viel schaffen zu wollen. Bei Trips, bei denen man als Fan mit Neulingen in den Parks unterwegs ist, erübrigt sich dieser Punkt sowieso. Da lautet das Motto eh 'Fan zeigt Neuling(en) so viel, wie in der Urlaubszeit möglich'. Aber bei einem Trip ganz alleine? Ich jedenfalls bin bei meinen beiden Solobesuchen ganz anders an die beiden Parks herangegangen und habe mich darauf konzentriert, neben den neuen saisonalen Shows/Paraden vor allem möglichst oft mit meinen Favoriten zu fahren. So bin ich im Februar an einem einzelnen Tag neun Mal mit den Pirates of the Caribbean gefahren - öfter als sonst bei mehrtägigen Trips. "Ich bin allein, ich kenne eh schon alle Attraktionen, also .. mach ich halt das, was ich liebe."

Intensivere Zeit für Nischigeres
Klar: Auch Gruppen besuchen die tropisch-atmosphärische, wunderschön grüne Adventure Isle mit ihren verwinkelten Pfaden, Gassen und Höhlen. Vor allem in den sonnigen Monaten sind sie ein sehr romantisches Fleckchen - und weniger überfüllt als der Rest des Parks (gemeinhin, jedenfalls). Und viele Stammgäste lieben die Arcaden in der Main Street. Trotzdem: Nie habe ich so viel Zeit in den abseitigeren Bereichen des Parks verbracht wie bei meinen Solotrips nach Disneyland Paris. Im Oktober 2017 wollte ich an einem Tag um Punkt 10 Uhr zu meinen geliebten Pirates, doch ein Cast Member erklärte am Eingang, dass die Piraten am Abend zuvor etwas zu viel Rum getrunken haben und daher noch 15 bis 30 Minuten brauchen, um in Fahrt zu gelangen. Da ich aber unbedingt die Pirates als erste Bahn des Tages haben wollte, bin ich zur Adventure Isle geschlendert und habe mich einfach völlig von ihnen in ein Karibikabenteuer versetzen lassen. Mit absoluter Ruhe erkundete ich die Höhlen, Dschungelpfade und Wipfel dieser grünen Insel, baute mir in meiner Vorstellung mein eigenes Abenteuer zurecht und begab mich auf die Suche nach Spyglass Hill (der geschlossen war, was ich erst nach einer Stunde geschnallt habe, so drin war ich in meinem Ein-Personen-Rollenspiel). Es wurde ein Ausflug von rund 80 Minuten - viel länger als zuvor üblich, wann immer es nach Adventure Isle ging. Ein anderes Mal nutzte ich die "Extra Magic Time" für Disney-Hotel-Besucher vor Parköffnung ausschließlich für ein Treffen mit Donald und das Bestaunen der Arcaden, statt auch mehrere Attraktionen zu besuchen. Solotrip, Nerdigtrip.

Warteschlangen sind allein ganz, ganz anders
40 Minuten Wartezeit? Naja, man ist ja nicht allein, also kann man sich mit seinen Freunden/seiner Familie unterhalten. Fehlanzeige bei einem Solotrip! Schlangestehen allein bedeutet: Sich irgendwie allein unterhalten. Was ich bei diesen Solo-Wartereien gelernt habe: Es gibt viele Wege, sich die Zeit beim Warten zu verschönern. Ich habe Einzelgänger gesehen, die auf dem Smartphone Serienepisoden oder Filme gucken. Leute, die am Handy spielen. Leute, die am Handy rumsurfen, ihre Fotos sortieren und/oder online teilen. Leute, die lesen (am Kindle oder in Büchern). Ich habe bei meinen beiden Solotrips bislang Abstand davon gehalten, zu sehr im Handy zu versinken. Klar, mal kurz ein paar Fotos anschauen oder sich notieren, in welchem Shop ich dieses eine Shirt gesehen habe, das ich mir noch kaufen muss ... Aber sonst wollte ich meine Zeit im Disneyland möglichst nicht am Bildschirm verbringen - als Schreiberling klebe ich im Alltag schon genug an Monitoren. Disneyland soll was besonderes sein. Und so habe ich mir die Wartebereiche genauer angeschaut (manche haben ja viel Thematisierung zu bieten ... andere leider nicht) und Spaß daran gehabt, Eindrücke anderer Gäste zu gewinnen. Ein bisschen lauschen darf auch mal sein, oder?

Oh, irgendwo vor mir hat eine deutsche Familie das Fastpass-System nicht verstanden. Aha, etwas weiter hinter mir ist eine britische Familie total begeistert. Schräg hinter mir sind in der sich schlängelnden Big Thunder Mountain-Schlange zwei französische Teeniemädels völlig hin und weg von ihren Star Wars-Micky-Ohren ... Und manchmal ergeben sich nette Zufallsgespräche mit anderen Besuchern. Manche davon werde ich so schnell nicht vergessen. Wie die Unterhaltung in Star Tours mit dem britischen Vater, der seinen quengelnden Sohn mit einem iPad ruhig gestellt hat und mich entschuldigend angeblickt hat, woraufhin wir uns über den bisherigen Tag ausgetauscht haben und die unterschiedlichen Feiertage in Deutschland und dem Vereinigten Königreich. Oder mit der französischen Familie, die unbedingt Donald treffen wollte und daher beim Darth-Vader-Meet-and-Greet von mir Tipps bekam. Oder das Pärchen, das mich für einen Cast Member hielt und sehr lange gebraucht hat, um zu verstehen, dass dem nicht so ist ...

Essen
Dies dürfte enorme Typensache sein, aber: Bei meinen "normalen" Disneyland-Trips gab es die drei großen Mahlzeiten. Bei meinen Solotrips dagegen bin ich dazu übergegangen, mehr kleinere Happen zu genießen. Hier ein Brownie auf dem Weg von der Main Street zu it's a small world, da eine Portion Eis, dort ein kleiner Snack aus dem Restaurant Hakuna Matata, da nochmal ein Brownie, auf dem Weg zurück zum Hotel ein Sandwich vom Earl ... Mehr Vielfalt und mehr Zeit, durch die Parks zu schlendern. Schlemmermäuler, die bislang vom Verweilen in Restaurants abgehalten wurden, würden bei Solotrips vielleicht in die andere Richtung tendieren.

Mehr Wuseln
Was mich beim Rückblick auf meine Solotrips überrascht hat: Obwohl ich voll dafür bin, sich im Disneyland fallen zu lassen und in diese Welt abzutauchen, hoppse ich bei meinen Einzeltrips mehr von Park zu Park und von Land zu Land als bei Gruppenreisen. Da war es normal, den zweiten Tag zum "Studio-Tag" zu ernennen und dann diesen Park am Stück abzuklappern. Und an den anderen Tagen blieben wir normalerweise im klassischen Park. Und im Disneyland Park gab es da auch meist eine gewisse Reihenfolge. Wenn ich alleine durch die Parks streife, schlendere ich zwar mehr durch verlassene Winkel und bleibe auch öfter mal sitzen, um die Aussicht zu genießen - aber ich wechsle teils auch mehrmals am Tag den Park oder switche von Pirates zu Buzz zurück zu Pirates zu Big Thunder Mountain zu Pirates zu Star Tours ...

Disneyland Paris ist immer eine Reise wert - ob allein oder zu mehreren. Was sind eure Solotrip-Erfahrungen?

Samstag, 9. Juni 2018

Alles Gute zum Geburtstag, du Erpel, der auch als Maui Mallard bekannt ist


84 Jahre alt und kein bisschen leiser geworden: Heute jährt sich einmal mehr das Leinwanddebüt des tollsten Erpels der Geschichte. Donald Duck ist der liebevoll-freche, vorlaut-charmante Star im Disney-Pantheon und die Verkörperung, was es heißt, wandelbar und sich dennoch selber treu zu sein. Denn ganz gleich, ob als chaotischer Junggeselle, vom Pech verfolgter Erziehungsberechtigter, cholerischer Kumpel einer friedvollen Maus, gebeutelter Neffe/Lohnsklave in Personalunion, kesser Abenteurer oder selbstloser Superheld, der lila Alienenten versohlt ... Donald ist stets wiederzuerkennen, und gleichzeitig wesentlich anpassungsfähiger als diverse andere Popkulturikonen.

Dennoch: Eine alternative Persönlichkeit Donalds ging leider unter. Ihr blieb es verwehrt, so eine dauerhafte Präsenz zu entwickeln wie Phantomias, Agent Doppel Duck oder die zahllosen Facetten, die Donald in seinen Comic- und Filmabenteuern als er selbst zeigen darf. Die Rede ist von Maui Mallard.

Maui Mallard debütierte im Jahr 1995 und ist gleichzeitig der Profiteur großer Disney-Ambitionen sowie das Opfer miesen Timings und voreilig-panischer Disney-Kurzschlussentscheidungen. Donalds Alter Ego, bekleidet in einem Hawaiihemd und bewaffnet mit einer übergroßen Käferknarre, ist ein auf einer paradiesischen Insel agierender Privatdetektiv, der fähig ist, sich in einen Ninja zu verwandeln. Sein Videospiel, ein Jump'n'Run'n'Shoot namens Donald in Maui Mallard (auch bekannt als Maui Mallard in Cold Shadow) gehörte zu den ersten Projekten der mittlerweile in ihrem ursprünglichen Sinne geschlossenen Spieleentwicklungsschmiede Disney Interactive und sollte ursprünglich die Geburtsstätte eines Studiomaskottchens werden. Wären die Dinge ein wenig anders gelaufen, hätte Detektiv-und-Ninja-Donald für Disney Interactive den Status, den Mario für Nintendo oder Sonic für Sega hat.


Das Spiel wurde für Sega Genesis/Sega Saturn, Super Nintendo, PC und in einer massiv abgespeckten Version für den Game Boy entwickelt, und zumindest die drei "Hauptversionen" des Spiels wiesen liebevolle Animationen, starke Soundeffekte und einen famosen Ohrwurmscore von Michael Giacchino auf. Noch vor Veröffentlichung des Spiels wurde bereits an einem zweiten Spiel gearbeitet, zudem baute die Gebrauchsanweisung eine dichte Mythologie für Maui Mallard auf, die gegebenenfalls sogar als Grundlage für eine Serie gedient hätte.

Jedoch kam die Heimkonsolenversion raus, als sie sich in ihren letzten Atemzügen befanden. In Nordamerika wurde sogar auf die Sega-Veröffentlichung verzichtet, im Gegenzug ließ Disney die Veröffentlichung der PC- und Game-Boy-Fassung in Europa aus. Während Disney Interactive große Hoffnungen in den Titel steckte, bekam Disneys Vermarktungsabteilung in den letzten Sekunden Panik, da Donald in Nordamerika zu diesem Zeitpunkt angeblich nicht hip genug war, um ein Videospiel zu tragen, in dem er Ninjas, Kannibalen, Zombies und Skelettpiraten bekämpft, so dass in der US-Vermarktung sämtliche Referenzen auf ihn entfernt wurden. Ohne Donald als Aufmerksamkeit erzeugender Name ging das seltsam-cartooneske, teils morbide Spiel für den nahezu toten Super Nintendo jedoch unter - und die PC-Version wurde im September 1996 eher lieblos auf den Markt geschmissen. Ironischerweise parallel zum TV-Start von Quack Pack, einer Serie, in der Donald ebenfalls als Hawaiihemdenträger neu erfunden wurde.

Also, lieber Donald: Genieße deinen Ehrentag. Und ich wünsche dir, dass Maui Mallard eines Tages furios zurückkehrt.

Freitag, 1. Juni 2018

La La Land


Das Musical war nie völlig weg – aber es hat sich weit von seiner früheren Position im Filmgeschäft entfernt. Jahrzehntelang war es eine der dominierenden Erzählformen in Hollywood. Doch nach einem regelrechten Boom in den 1950er-Jahren, in denen Musicals immer länger, farbenfroher und kostspieliger wurden, gerieten sie (trotz einzelner Ausnahmehits wie West Side Story und Mary Poppins) in den 60er-Jahren allmählich ins Trudeln: Die Ursprungsformel sowie diverse Abwandlungen waren totgespielt, der Einfluss von Rock 'n' Roll und die sich wandelnde Jugendkultur machten das typische Musical schleichend obsolet. In den 70ern wurde der Musicalfilm dann zur Nischenangelegenheit – Ausnahmen wie Grease und die in den späten 80ern startende Reihe an Disney-Zeichentrickmusicals bestätigten diese Regel.

Seit den 2000ern schlägt das Herz des Musicals wieder stärker, die von einer breiteren Masse bemerkten und in Kritiker- sowie Branchenkreisen geachteten Leinwandproduktionen kommen wieder in geringeren Abständen: Moulin Rouge!, Chicago, Sweeney Todd: Der teuflische Barbier aus der Fleet Street und Les Miserables und weitere Produktionen verhelfen der Kunstform zu einem nahezu konstanten Platz in der westlichen Filmwelt. Nun schickt sich La La Land an, dieser Entwicklung die Krone aufzusetzen: Die Kritikerzunft überschlägt sich vor Lob, bei den Golden Globes räumte La La Land mehr Trophäen ab als jeder Film zuvor, und bei den Academy Awards kam das Musical (denkwürdiger Hauptkategorienschlappe in letzter Sekunde zum Trotz) ebenfalls großartig an.

Ganz gleich, ob La La Land somit eine Musical-Renaissance auslöst oder einfach nur einen stärkeren Herzschlag bei einem stabilen, doch ruhigen Puls darstellt: La La Land hat alle Zutaten für einen Klassiker, der die Zeit überdauert, und neue Musical-Liebhaber heranzieht. Und auf dem Weg dahin wird dieser feine Kinotraum sowohl die Fans, kreativer, anspornender Musicals glücklich machen als auch diejenigen, die dramatischere Musicals bevorzugen.


Die Jahreszeiten einer Künstlerromanze
Los Angeles, die Stadt voller Stars sowie Künstler – und der Träumer, die gerne welche wären. Unter ihnen befindet sich Mia (Emma Stone), die für ihr Leben gern eine Karriere als Schauspielerin verfolgen würde. Trotz großen Engagements und spürbar großem Talent scheitert sie jedoch bei einem Vorsprechen nach dem anderen, weshalb sie ihr Dasein als Barista in einem Café auf dem Warner-Bros-Studiogelände fristet. Im täglichen Stau der gleißenden kalifornischen Sonne trifft sie eines Tages den Jazz-Pianisten Sebastian (Ryan Gosling) – doch im Staustress maulen sie sich nur an. Dabei geht es Sebastian genauso wie Mia:

Sebastian sehnt sich danach, die obsolet werdende, verwässerte Jazzmusik in einem eigenen Club zu ihrem früheren Glanz zu verhelfen. Stattdessen klimpert er in einem Schuppen als unauffällige Geräuschkulisse vor sich hin. Etwas später führt sie das Schicksal erneut zusammen: Sie begegnen sich und tauschen sich aus – auf betont platonische Weise, selbst wenn der Funke zwischen ihnen nicht zu verleugnen ist. Aber können zwei idealistische, verträumte Künstler tatsächlich eine Beziehung eingehen, ohne sich im ewigen Streben nach beruflicher Erfüllung im Weg zu stehen ..?

Regisseur und Autor Damien Chazelle, der bereits 2014 mit seinem rasanten Drummer-Drama Whiplash für Furore sorgte, vermengt in seinem Passionsprojekt La La Land Einflüsse aus der Blütezeit der Hollywood-Musicals mit einem zeitgenössischen, nicht aber zynischen oder hip stilistische Konventionen durchbrechenden Stil: Anders als der in einem Musicals ablehnender gegenüberstehenden Kontext entstandene Chicago „entschuldigt“ La La Land seine Gesangs- und Tanzsequenzen nicht als irre Tagträume einer manischen Gewalttäterin. Und im Gegensatz zu Baz Luhrmans Moulin Rouge! gibt La La Land nicht sämtliche Bodenhaftung auf, um die Musicalelemente als konsequente Weiterführung einer fiebrig-wahnsinnigen Filmsprache zu erklären.

Ebenso wenig wird das klassische Musicalgefühl durch Blut, Selbstironie, Gags auf der Metaebene oder naturalistisch-unsauberen Gesang entschärft – La La Land ist ein nach den Gesetzen des Old-School-Musicals, doch mit heutigen Möglichkeiten entstandener Film für ein kontemporäres Publikum. Fast, zumindest: La La Land ist neben dem klassischen US-Musicalfilm ein weiterer Einfluss überdeutlich anzumerken. Chazelle ist glühender Liebhaber der französischen Musicals aus der Nouvelle Vague, insbesondere von Die Regenschirme von Cherbourg.

Diese französischen Musicals, vor allem besagtes Meisterwerk von Jacques Demy, gingen in die Filmgeschichte als faszinierende Verschmelzung aus lebensnahen Geschichten und überhöhten Emotionen ein: In einem glaubhaften, wenngleich sehr farbintensiven Setting geht es um bittersüße, melancholische Romanzen – und diese Stimmung fängt Chazelle in La La Land brillant ein. Mia und Sebastian mögen zwar singen und tanzen, aber die Höhen und Tiefen, die sie in ihrer Beziehung sowie ihrem künstlerischen Streben durchlaufen, sind geerdet und treffen oft genug eine „blue note“, einen wehmütigen Klang – was auch bedeutet, dass ein paar Takte melodisch gesprochen, statt geschmettert werden.


So verträumt wie nötig, so echt wie möglich. Oder umgekehrt?
Den diffizilen Balanceakt zwischen Hollywood-Musical nach alter Schule, Einflüssen der Nouvelle Vague und kontemporärem Filmemachen begeht Chazelle nahezu nonstop auf lobenswert unbemerkbare, mühelos wirkende Art und Weise: Die stilvolle, elegante Regieführung, die zwar die Gefühle der Figuren bestechend ausdrückenden, jedoch niemals pathetischen Dialogzeilen und das bestechende, natürliche Zusammenspiel zwischen Gosling und Stone bescheren La La Land ein leichtgängiges, mitreißendes Naturell.

Anders als in Whiplash, der in ein (inhaltlich völlig gerechtfertigt) auf den Putz hauendes Finale mündet, lenkt Chazelle nie den handwerklichen Aufwand und die Inszenierung in den Fokus – und macht La La Land so zu einem Film, der ebenso verträumt ist wie seine Hauptfiguren. Dahingehend zeigt sich der 31-Jährige konsequent, war Whiplash doch genauso verbissen wie dessen zentralen Rollen. Für die der Melancholie der „Ideale gegen Wirklichkeit, Liebe gegen Berufsleben“-Handlung zugutekommenden Bodenhaftung sorgen derweil subtil eingesetzte ästhetische Aspekte.

So lässt Chazelle American Hustle-Kameramann Linus Sandgren das hauptsächlich an echten Schauplätzen gedrehte Geschehen in einem sehr künstlichen Licht einfangen. Das führt zu einer dezent-verspielten, irgendwo in einem bezirzenden Nirgendwo zwischen dem Look der Goldenen-Hollywood-Ära und der Wirklichkeit verorteten Optik, welche Musicaleinlagen wie die „Lasst uns für eine Hollywood-Party fertig machen!“-Nummer „Someone in the Crowd“ einzigartig erscheinen lässt. Nur vereinzelt gerät die Bildästhetik von La La Land in eine irritierende Grauzone. So lenkt der überaus künstlich-lilafarben aussehende Nachthimmel bei Mias und Sebastians Kennenlernspaziergang punktuell von der auflodernden Flamme ab, die hier zwischen den Figuren entsteht.

Gemeinhin trifft Chazelle jedoch formidabel den „So echt, dass es glaubwürdig wird, so stilisiert, dass nostalgischer Zauber entsteht“-Punkt, auf den er abzielt. Dies gilt nicht nur für die Kameraarbeit, sondern auch für die unwirklich farbkräftigen, doch nie aggressiv hervorstechenden Kostüme sowie die beschwingten, aber in den komplexeren Schrittfolgen bewusst ungeschliffenen Tänzen der Darsteller. Chazelle lässt Stone und Gosling nicht mit dem Meistern schwieriger Choreografien prahlen, sondern nutzt die wundervollen Musikeinlagen, um bewegte Momente in der Handlung kräftig sowie intuitiv zu unterstreichen.

Ein Musical wäre allerdings für die Katz, würde die Musik nicht zünden. Glücklicherweise brilliert La La Land auch an der musikalischen Front: Komponist Justin Hurwitz vermengt in seinen eingängigen Songs und den unaufdringlichen, charmanten Instrumentalstücken behände mehrere Einflüsse – La La Land klingt nach vitalem Jazz, verletzlichen Musicalballaden und behutsam modernisierter Big Band, sowie nach allem, was sich aus diesen Komponenten virtuos zusammensetzen lässt. Getragen wird La La Land dennoch nicht von den Songs – nicht zuletzt, weil Chazelle die Musiksequenzen ungleich über die fünf Akte seiner ebenso wehmütigen wie frohgemuten Handlung verteilt.

Das pochende Herz dieser Hommage an die Musicalkunst stellen Gosling und Stone dar, die ihre Archetypen der aufstrebenden Künstler nehmen und mit fein schattierten Nuancen zum Leben erwecken. Dass La La Land so sehr von seinen Hauptfiguren lebt, führt allerdings zu kleineren dramaturgischen Problemen, wenn die Stimmung zwischen Mia und Sebastian nicht exakt zu bestimmen ist: Die Story punktet am stärksten in euphorischen Höhen, leidvollen Tiefen und in für die Figuren frustrierend-grau-grauen Momenten – die Übergänge funktionieren ebenfalls, fallen jedoch etwas behäbiger aus. Das vor Filmmagie trotzende, stilistisch bezaubernde, emotional hochintensive Ende weiß für die partiellen Pacingprobleme aber mehr als nur zu entschädigen.

Fazit: Ein Muss für Musicalfans und alle, die es werden wollen: La La Land ist ein bittersüßer Traum, der darauf wartet, als Klassiker in die Filmlehrbücher aufgenommen zu werden.

Mittwoch, 14. März 2018

Thor - Tag der Entscheidung


Der Film
"Lachend in die Kreissäge". So bezeichnet es man üblicherweise, wenn jemand so glückselig-doof ist, dass er geradewegs in sein Verderben rennt. Im Falle der Marvel Studios lässt sich der Spruch indes umdeuten: Wenn im Frühling dieses Jahres das Marvel Cinematic Universe sein zehnjähriges Jubiläum feiert, kommt es zum megalomanischen Crossover-Event zwischen seinen zahlreichen Heldinnen und Helden – und dieses Aufeinandertreffen wird, wie könnte es anders sein, ein sehr dramatisches. Bevor sich das Marvel-Filmuniversum aber in die Kreissäge der schwerwiegenden narrativen Konsequenzen von Avengers: Infinity War stürzte, gönnte es sich und seinen Fans ein betont humorvolles Jahr.

Nach der auch einige ruhigere Charaktermomente aufweisenden, bunten Weltraumsause Guardians of the Galaxy Vol. 2 und dem selbstironisch unterfütterten Superhelden-High-School-Spaß Spider-Man: Homecoming endete Marvels 2017 mit Thor – Tag der Entscheidung, der noch mehr auf die Lachmuskeln seines Publikums abzielt als die früheren Filme über den Donnergott und die beiden anderen MCU-Filme des Jahres 2017. Und damit sträubt sich der von 5 Zimmer Küche Sarg-Regisseur Taika Waititi inszenierte Superheldenfilm bewusst gegen das, was wohl unter zahlreichen anderen Filmschaffenden aus diesem Stoff geworden wäre. Denn der grundlegende Plot aus der Feder des Autorenteams Christopher Yost, Craig Kyle, Stephany Folsom und Eric Pearson liest sich wie aus dem Katalog für Big-Budget-Trilogie-Finalfilme zusammengeklaubt:

In seinem dritten (Quasi-)Solofilm treffen wir Donnergott Thor (Chris Hemsworth) in einer misslichen Lage wieder: Der Thronprinz von Asgard hat sich mit der dunklen Prophezeiung befasst, dass Feuerdämon Surtur eines Tages den Ragnarök heraufbeschworen wird – den Untergang seiner Heimat. Selbstredend bemüht sich Thor, seiner Geburtsstätte dieses Schicksal zu ersparen, doch dabei hat er die Rechnung ohne Todesgöttin Hela (Cate Blanchett) gemacht. Diese zerstört Thors mächtigen Hammer und nimmt zielstrebig Kurs auf Asgard – und zu allem Überfluss strandet der eitle Recke bei seiner Klopperei mit Hela auf dem Schrottplaneten Sakaar. Auf diesem hat der hedonistische Grandmaster (Jeff Goldblum) das Sagen, der in Thor einen potentiellen Herausforderer für seinen Champion im Gladiatorenkampf sieht.

Kann sich Thor rechtzeitig von Sakaar befreien, oder machen ihm der Grandmaster, sein Champion oder die versoffene Aufpasserin Valkyrie (Tessa Thompson) einen weiteren Strich durch die Rechnung? Und wie fügt sich der Gott der Täuschung, Loki (Tom Hiddleston), in dieses Bild?

Okay, okay. Einige Details dieses Plots deuten bereits an, dass Thor – Tag der Entscheidung das Sprungbrett für ein eskalierendes Fantasyepos-Trilogiefinale nimmt und dann beschließt, lieber in ein exzentrisches Bällebad zu springen. Die dramaturgische Fallhöhe bleibt bei der somit gebotenen Comedy-Attacke in Thor – Tag der Entscheidung dem Untertitel zum Trotz niedrig – da haben die zwei anderen Marvel-Cinematic-Universe-Einträge 2017 einen stärkeren Akzent auf die interpersonellen Konflikte gelegt. Dieser Film hingegen bemüht sich nur um dezent mehr als das Minimum an charaktergestützter Dramatik – viel mehr geht es darum, dem Cast die Möglichkeit für eine albern-gute Zeit einzuräumen.

Laut Produzent Kevin Feige geschah dies zu großen Stücken auf Anraten des Hauptdarstellers: Hemsworth wollte mit Thor gänzlich neue Wege beschreiten, weil die Rolle ihn allmählich langweilte. Mit Waititi fand sich ein Regisseur, der genau auf Hemsworths humoristischer Wellenlänge liegt – wer also Hemsworth in Ghostbusters oder Vacation – Wir sind die Grisworlds für sein komödiantisches Timing liebt, wird auch hier aus dem Grinsen kaum rauskommen.

Thor zeigt sich als seeliger Kämpferbursche mit unkaputtbarem Siegeswillen und entsprechend großem Ego, das er aber nicht arrogant, sondern mittels einer bübisch-kollegialen Großspurigkeit zu Tage legt. Der Rest das Ensembles passt sich Waititis und Hemsworths Ansatz an: Cate Blanchetts Hela ist als Schurkin zwar so tiefgreifend motiviert wie ein 16-bit-Videospiel-Antagonist, dennoch hat sie ein imposantes Auftreten, so dass sie als Bedrohung durchaus funktioniert – und das, obwohl Blanchett sich in genüsslichem Overacting übt und die Rolle der Todesdiva so großspurig anlegt, wie es möglich ist, ohne zur reinen Parodie zu verkommen.

Das klingt so niedergeschrieben vielleicht negativ, funktioniert in diesem Film aber hervorragend – es ist fast so, als sei die Oscar-Gewinnerin von einer boshaften Kate McKinnon (Ghostbusters) besessen. Das schürt zwar keine Angst, steckt jedoch vor lauter Verve und Launigkeit sofort an. In einer etwas subtileren Dosis ergeht es Tom Hiddleston als lausbübischer Trickster-Gott genauso, und Tessa Thompson nimmt als Valkyrie den Archetyp der taffen Kämpferbraut und läuft damit erstmal in den nächsten Schnapsladen.

Auch Avengers-Veteran Mark Ruffalo zeigt sich von seiner spaßigsten Seite und ergötzt sich sichtlich an der Möglichkeit, sich mit seinen Castmitgliedern Scherzdialoge um die Ohren zu hauen. Darunter leidet allerdings der Charakterbogen: Bruce Banner wird vom traumatisierten Opfer seiner gespaltenen Persönlichkeit zum Gute-Laune-Krieger, als sei es ein Spaziergang durch den Comedypark. Die Filmemacher bemühen sich, mit Schall und Rauch und Lachern davon abzulenken: Waititi und seine Cutter Joel Negron & Zene Baker lassen oftmals die verdatterten Reaktionen der Dialogpartner im Film drin, um der Gagparade eine Spur Authentizität zu geben … Schließlich werden besonders schlagfertige Wortwechsel im echten Leben auch Mal mit Schmunzlern bedacht, ehe es zum Ernst der eigentlich besprochenen Lage zurückgeht. Dafür lassen die Filmmacher manche der Scharmützel dann und wann einen Takt länger laufen, als es das gewollt undramatische Drehbuch zulässt.

Gestalterisch nimmt sich der Wo die wilden Menschen jagen-Regisseur die Freiheit raus, ein kreatives Kuddelmuddel an Einflüssen zusammenzuführen. So scheppert Led Zepplins markiger 1970er-Hit "Immigrant Song" aus den Lautsprechern (und das ganze zwei Mal, was ihm an Wirkung raubt). Das Design von außerirdischen Randfiguren sowie der Mode auf dem Planeten Skaar erweckt indes die Zeichnungen der Marvel-Comic-Legende Jack Kirby zum Leben, die er in den 60er-Jahren für die Thor-Comics zu Papier brachte. Die Gesamtästhetik des Films, mit martialischen Posen in Weichzeichner-Optik einerseits und der retrofuturistischen Innenarchitektur und Vehikelgestaltung andererseits, mutet letztlich so an, als hätte Waititi den Look von Super-Nintendo-Weltallgames mit Heavy-Metal-Albencovern verschmolzen – all dies, während Komponist Mark Mothersbaugh (The LEGO Movie) einen launigen Synthie-Score im 80er-Jahre-Style abliefert.

Dieser gewaltige Clash aus popkulturellem Zeitkolorit und sich beißenden Gestaltungsschulen hat Methode, trägt er doch zur schmissigen Grundstimmung des Films bei: Die Marvel-Version einer nordischen Gottheit will ihre Heimat, die wie ein Pappnachbau eines Mittelerde-Disneyland aussieht, beschützen, hängt aber auf einem Space-Metal-90er-Jahre-Videospiel-Planeten mit 60er-Jahre-Comicgestalten fest. Das soll gaga sein. Waititi weiß, diese Gegensätze mit amüsierter Pointiertheit gegeneinander auszuspielen und mit ironisch unterwanderten Rückgriffen auf vergangene Marvel-Filme klar komödiantisch zu positionieren.

Dass die nostalgische Vorstellung, wie ein Space-Fantasy-Film auszusehen hat, auch in einige detailarme, sehr künstlich aussehende Kostüme resultiert, ist ebenso klar Geschmacksfrage wie Waititis sich wiederholende Witz-Kombination: Es sind Cosplay-Stunden im Marvel Cinematic Universe, während sich die Figuren in einer "Subtile Ironie, launige Situationskomik, fesche Selbstironie, verbaler Schlagabtausch, ZOTE!"-Kombo üben. Das setzt eine entsprechende Erwartungshaltung voraus – Thor – Tag der Entscheidung ist ein Marvel-Lachfest, bei dem das Design herrscht, kein spaßig aufgelockertes Abenteuer mit glaubwürdiger Ausstattung.

Damit sind Waititi und die Autoren immerhin ehrlich zu ihrem Publikum: Als hätte irgendjemand erwartet, dass die Marvel Studios wenige Monate vor Avengers: Infinity War Thor in einem düsteren Weltallactiondrama über die Klinge gehen lassen … Wer braucht also das Vortäuschen drastischer Sequenzen für den Titelhelden, wenn ein Gros des Publikums eh weiß, dass es ihm gut genug gehen wird, um noch mindestens ein Crossover zu absolvieren? Dennoch hätten die Kostüme nicht so sehr nach Cosplay aussehen müssen.

Was uns zu einer weiteren prägenden Charakteristik des Films führt: Thors dritter Soloausflug ist der womöglich am wenigsten ausgegorene Film im 'Marvel Cinematic Universe'. Dies betrifft einerseits das Storytelling: Das eigentliche Abenteuer, das den Gott des Donners nach Sakaar führt, beginnt erst nach einem ausgiebigen, jegliche Stringenz missen lassenden Filmeinstieg. Da wird Loki auch mal wiedergefunden, um verloren zu gehen, und direkt danach wiedergefunden zu werden und erneut verloren zu gehen. Als narrativ untermotivierte Sketchparade lassen sich die Pre-Sakaar-Szenen amüsiert weggucken. Doch erzählerisch ist der Beginn von Thor – Tag der Entscheidung ein heilloses Durcheinander, bei dem die böse Vermutung aufkommt, dass sich das Autorenquartett mehrfach in eine Ecke manövriert hat, was in sehr behelfsmäßige Mini-Plotfäden resultierte. Weshalb das Konzept des Ragnaröks sogleich mehrfach mühselig erklärt werden musste, bleibt derweil ein ungelöstes Rätsel – und noch dazu eines, dass diesem Spaßfest Sand ins Getriebe streut.

Und dann wäre da der zweite, unausgegorene Aspekt an Thor – Tag der Entscheidung: Für einen mutmaßlich 180 Millionen Dollar teuren Kinofilm eines etablierten Hollywood-Studios hat Taika Waititis Actionspaß allerhand blamabel-miese Chromakey-Szenen zu bieten. Immer wieder kommt es zu statischen Bildeinstellungen, in denen es extrem offensichtlich ist, dass der Cast nicht am gezeigten Schauplatz zugegen war. Da werden mit digitaler Anfängertrickserei klinisch saubere, leblose Küstenaufnahmen hinter die Schauspieler gelegt oder auch Mal Chris Hemsworth und Co. für eine Handvoll Einstellungen in ein Foto eines der Filmsets gebeamt.

Aufnahmen mit Green- oder Bluescreen sind im Filmgeschäft längst Alltag und gerade die effektlastigen, einen enormen Cast jonglierenden Marvel-Filme sind voll von ihnen – umso erschütternder, wie provisorisch die grellen, keinerlei glaubwürdigen Schattenwurf aufweisenden, steifen Schummeleien hier ausfallen. Als wäre Thor – Tag der Entscheidung in den letzten Produktionswochen mit der ganz heißen Nadel gestrickt worden ...

Thor – Tag der Entscheidung ist somit ein sonderbares Biest im Marvel-Filmkanon. Dieser Film hat den mutigsten Look, aber auch die eklatantesten Effektpatzer des Franchises. Und das Drehbuch ist voller Leerlauf, über all das Nichts und die ganzen sketchartigen Eskapaden verteilt, macht der Held aber tatsächlich eine nennenswerte Wandlung durch. Als Fortführung der ersten beiden Thor-Filme taugt er kaum etwas (es fehlt nicht viel, und man würde mit einem "Ach, was bisher geschah, das ist nicht weiter von Bedeutung, vergesst es einfach!"-Spruch rechnen), und dennoch fühlt er sich dank der intensiven Spielfreunde Hemsworths wie die Vollendung der Titelfigur an. Kurzum: Für Drehbuch- oder Effektpreise empfiehlt sich Thor – Tag der Entscheidung kein Stück, aber wer ein Herz für das Ensemble hat, wird sich schwer tun, nicht mehrmals herzlich zu lachen.

Thor – Tag der Entscheidung ist somit der Klassenclown des Marvel Cinematic Universe, der sich nach einer hochdramatischen Trennung einer radikalen Typenänderung unterzogen hat, woraufhin er sein Umfeld zu einem Wochenendtrip mit sonderbarem Ziel einlädt: Auffällig, aufgekratzt, aufgedreht sowie hoch motiviert, sich neu zu erfinden und gefälligst Freude daran zu haben. Da werden auch mal unnötige Umwege in Kauf genommen und mit Anspruch ist auch nicht zu rechnen. Aber: "Alles so schön bunt hier!" Tapetenwechsel ist ja auch mal fein und eine gute Zeit mit gut aufgelegten, lustigen Leuten sowieso. Selbst wenn leider der eine oder andere gepfefferte Fremdschammoment nicht ausbleibt …

Die Scheibe
Die Blu-ray ist technisch auf dem Standard, der von einem Marvel-Film nunmehr verlangt wird. Satter, klarer Sound und sauberes Bild – auch wenn das den schwacheren Effekteinstellungen nicht zwingend zugute kommt. Aber die Zielgruppe, die sich Thor – Tag der Entscheidung zum Tonfall und Look passend im abgenudelten VHS-Look wünscht, dürfte verschwindend gering sein. (Als Easter Egg auf der Blu-ray wäre das dennoch genial.)

Das Bonusmaterial ist erfreulicherweise umfangreich – heutzutage ja leider keine Selbstverständlichkeit mehr. Neben den nahezu obligatorischen, ulkigen Pannen vom Dreh gibt es einen Kurzfilm namens Team Darryl, der die Erlebnisse von Thors WG-Partner aus den Team Thor-Späßen weitererzählt. Achtung, Lachtränen-Gefahr! Die entfallenen Szenen (insgesamt knapp unter acht Minuten Laufzeit) sind derweil, wie eh und je, eine Mischung aus "Interessant zu sehen" und "Ja, kein Wunder, dass das rausflog". Ein echtes Highlight ist dagegen der urkomische, keinen Deut informative, augenzwinkernde Audiokommentar zum Film von Taika Waititi.

Die Featurettes zu einzelnen Aspekten des Films sind teils informativ (etwa das über das Steinwesen Korg), andere sind mir etwas zu werbend im Tonfall (Leute, ich habe die Disc schon in den Händen, ihr müsst den Film nicht mehr verkaufen!). Als kleines Bonmot gibt es außerdem einen Fünf-Minuten-Clip über die Entwicklung der MCU-Helden im Laufe der zehn Filmjahre sowie ein paar, stylische 8-Bit-Sequenzen.

Thor – Tag der Entscheidung ist ab dem 15. März 2018 auf DVD, Blu-ray, 4k-Blu-ray und 3D-Blu-ray erhältlich.

Sonntag, 4. März 2018

Oscars 2018: Das Liveblogging zu den 90. Academy Awards


Planänderung: Da Blyve nicht mehr aktiv ist, werde ich dieses Jahr mein Liveblogging abhalten, indem ich hier meine Tweets sammle. Die Kommentarfunktion im Blog dürft ihr dennoch brennen lassen!

Freitag, 2. März 2018

Oscars 2018: Meine Prognose für die Gewinner der 90. Academy Awards


In der Nacht vom 4. auf den 5. März ist es endlich wieder so weit: In Los Angeles werden die Academy Awards verliehen - und wie es Tradition geworden ist, werde ich nicht nur live mittwittern, sondern selbstredend auch hier im Blog live mitbloggen. Mir doch egal, wie out Liveblogging mittlerweile ist!

Vorher gilt es jedoch, eine andere Tradition abzuhaken - und meine Prognose der Gewinner in den 24 Oscar-Kategorien abzugeben. In manchen Disziplinen scheint es erschreckend einfach zu sein (aber Überraschungen gibt es immer wieder), und in anderen Sparten fällt mir die Vorhersage unfassbar schwer. Doch wozu rumlamentieren? Rein ins Prognosengetümmel!

Beste Regie
• Guillermo Del Toro (The Shape of Water - Das Flüstern des Wassers)
• Greta Gerwig (Lady Bird)
• Jordan Peele (Get Out)
• Christopher Nolan (Dunkirk)
• Paul Thomas Anderson (Der seidene Faden)

Guillermo del Toro gewann die meisten der Indikatorpreise, darüber hinaus ist Shape of Water ein mit Herzblut, Ruhe und Liebe zum Detail inszenierter Film. Der Sieg sollte ihm nahezu sicher sein - gewinnt jemand anderes, wäre ich enorm überrascht.

Beste Hauptdarstellerin
• Frances McDormand (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)
• Margot Robbie (I, Tonya)
• Saoirse Ronan (Lady Bird)
• Sally Hawkins (The Shape of Water - Das Flüstern des Wassers)
• Meryl Streep (Die Verlegerin)

Auch McDormand dominierte die bisherige Preissaison. Ihre Darstellung einer wütenden, verzweifelten Mutter, die nach Recht für ihre tote Tochter kämpft, hat eine Vielzahl an Emotionen zu bieten und obendrein Aufmerksamkeit auf sich ziehende Monologe. Sollte ein abgemachtes Ding sein, oder?

Bester Hauptdarsteller
• Gary Oldman (Die dunkelste Stunde)
• Timothée Chalamet (Call Me By Your Name)
• Daniel Day-Lewis (Der seidene Faden)
• Danzel Washington (Roman J. Israel, Esq.)
• Daniel Kaluuya (Get Out)

Und noch jemand, der bislang schon abgeräumt hat und obendrein eine intensive, hypnotisierende Performance abliefert. Oldman for Gold.

Bester Nebendarsteller
• Willem Dafoe (The Florida Project)
• Woody Harrelson (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)
• Sam Rockwell (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)
• Christopher Plummer (Alles Geld der Welt)
• Richard Jenkins (The Shape of Water - Das Flüstern des Wassers)

Allen wilden Debatten darüber, ob Rockwells Figur am Ende des Films nun zu gut davonkommt, zum Trotz: Glaubt man Oscar-Bloggern mit Verbindungen zur Academy, nehmen die Mitglieder diese Kontroverse eher dem Skript übel als Rockwell und seiner Darbietung. Die bisherigen Preise sprechen ebenfalls dafür - und der Balanceakt aus Humor, Fiesheit und Dramatik gehört zu den prägendsten Darbietungen des US-Kinojahres 2017. Schade um Dafoe.

Beste Nebendarstellerin
• Laurie Metcalf (Lady Bird)
• Allison Janney (I, Tonya)
• Octavia Spencer (The Shape of Water – Das Flüstern des Wassers)
• Mary J. Blige (Mudbound)
• Lesley Manville (Der seidene Faden)

Es wird ein Rennen zwischen Metcalf und Janney. Die US-Presse bevorzugt dezent Metcalfs nuancierte Mutterrolle aus Lady Bird, doch Janneys Darbietung in I, Tonya als Schreckschraubenmutter reißt ihre Szenen an sich und wurde bei Awardshows bislang bevorzugt. Daher tippe ich auf sie - und jeder Oscar für I, Tonya macht mich happy.

Bester Trickfilm
The Boss Baby (Tom McGrath und Ramsey Naito)
Coco (Lee Unkrich und Darla K. Anderson
The Breadwinner (Nora Twomey und Anthony Leo)
Ferdinand – Geht stierisch ab (Carlos Saldanha)
Loving Vincent (Dorota Kobiela, Hugh Welchman und Ivan Mactaggart)

Das ist kein Wettbewerb: Die Begeisterung in Hollywood für Coco ist so groß, der Film wird sich durchsetzen.

Beste Dokumentation
Strong Island (Yance Ford und Joslyn Barnes)
Faces Places (Agnès Varda, JR und Rosalie Varda)
Icarus (Bryan Fogel and Dan Cogan)
Abacus: Small Enough To Jail (Steve James, Mark Mitten und Julie Goldman)
Last Men in Aleppo (Feras Fayyad, Kareem Abeed und Søren Steen Jespersen)

Icarus ist die Dokumentation mit dem größten Einfluss unter den Nominierten - soll sie doch zum Ausschluss Russlands bei den Olympischen Winterspielen gesorgt haben. Das muss nichts heißen, aber ich glaube, dass es die Aufmerksamkeit auf Icarus gelenkt haben könnte ...

Bestes adaptiertes Drehbuch
Call Me By Your Name (James Ivory)
The Disaster Artist (Scott Neustadter & Michael H. Weber)
Logan – The Wolverine (Scott Frank & James Mangold und Michael Green)
Mudbound (Virgil Williams und Dee Rees)
Molly's Game (Aaron Sorkin)

James Ivory ist eine wandelnde Legende und Call Me By Your Name ist der am meisten respektierte Film aus dieser Liste (holte er doch auch die meisten Nominierungen). Die Balance zwischen eloquenten Dialogen und ruhigen, subtilen Passagen könnte ebenfalls hilfreich sein.

Bestes Original-Drehbuch
The Big Sick (Emily V. Gordon & Kumail Nanjiani)
Get Out (Jordan Peele)
Lady Bird (Greta Gerwig)
The Shape of Water - Das Flüstern des Wassers (Guillermo del Toro & Vanessa Taylor)
Three Billboards Outside of Ebbing, Missouri (Martin McDonagh)

Die zweitgrößte Kopfschmerzkategorie des Jahres: Holt sich der warmherzige, gefeierte Überraschungserfolg The Big Sick hier seinen Achtungs-Oscar? Oder setzt sich einer der Nominierten aus der Hauptsparte durch? Die Dialoge sollten Three Billboards helfen, aber der Backlash gegen den Film konzentriert sich auf einen Storyarc, was mich unsicher macht. Lady Bird ist gemeinhin sehr beliebt und wird als herzliche Zeitkapsel der frühen 2000er betrachtet, Shape of Water gelingen schwere tonale Balanceakte und Get Out ist immens clever konstruiert. Ich werfe eine innere Münze (und noch eine und noch eine und noch eine) und komme bei Get Out aus ...

Bester Schnitt
Baby Driver (Paul Machliss und Jonathan Amos)
Dunkirk (Lee Smith)
I, Tonya (Tatiana S. Riegel)
The Shape of Water – Das Flüstern des Wassers (Sidney Wolinsky)
Three Billboards Outside of Ebbing, Missouri (Jon Gregory)

Dies dürfte ein Zwei-Filme-Rennen sein: Sowohl Baby Driver als auch Dunkirk sind regelrechte Meisterwerke in Sachen Schnittarbeit. Um den Aluhut der Verschwörung aufzusetzen: Hier wird sich zeigen, wie sehr sich die neuen, jüngeren Academy-Mitglieder auf die Ergebnisse auswirken. Dunkirk ist der "seriösere" unter den beiden Filmen, aber Baby Driver sorgte für Euphorie bei den jungen Filmschaffenden. Ich lehne mich aus dem Fenster und tippe, mich an Mad Max: Fury Road erinnernd, auf Baby Driver ...

Beste Kamera
Blade Runner 2049 (Roger Deakins)
Die dunkelste Stunde (Bruno Delbonnel)
Dunkirk (Hoyte van Hoytema)
The Shape of Water – Das Flüstern des Wassers (Dan Laustsen)
Mudbound (Rachel Morrison)

Irgendwann muss der gute Mann ja gewinnen. Dass Blade Runner 2049 im Vergleich zu The Shape of Water und den beiden Dünkirchen-Filmen als Misserfolg gilt, lässt mich allerdings leicht mulmig werden - hatten genug Oscar-Voter die Muße, ihn überhaupt zu sehen?

Beste Effekte
Blade Runner 2049 (John Nelson, Gerd Nefzer, Paul Lambert und Richard R. Hoover)
Guardians of the Galaxy Vol. 2 (Christopher Townsend, Guy Williams, Jonathan Fawkner und Dan Sudick)
Planet der Affen – Survival (Joe Letteri, Daniel Barrett, Dan Lemmon und Joel Whist)
Kong: Skull Island (Stephen Rosenbaum, Jeff White, Scott Benza und Mike Meinardus)
Star Wars - Die letzten Jedi (Ben Morris, Mike Mulholland, Neal Scanlan und Chris Corbould)

Die neue Planet der Affen-Trilogie ist bislang noch völlig Oscar-los. Eine ungeheuerliche Sache, die sich hoffentlich in der 90. Academy-Award-Nacht ändert, zumal der Film wirklich atemberaubend gute Effekte hat - und er ist neben Blade Runner 2049 der einzige Nominierte, der nicht auch ein paar kleine, peinlich-halbgare Effekte auf die Leinwand bringt.

Bestes Make-up und Hairstyling
Die dunkelste Stunde (Kazuhiro Tsuji, David Malinowski und Lucy Sibbick)
Victoria & Abdul (Daniel Phillips und Lou Sheppard)
Wunder (Arjen Tuiten)

Die dunkelste Stunde sieht klasse aus und Tsuji ist eine Legende, die extra für den Film aus der Frührente zurückgekehrt ist. Sollte der Oscar an wen anderes gehen, drehe ich durch ...

Bestes Produktionsdesign
Blade Runner 2049 (Dennis Gassner und Alessandra Querzola)
Die dunkelste Stunde (Sarah Greenwood und Katie Spencer)
Die Schöne und das Biest (Sarah Greenwood und Katie Spencer)
The Shape of Water – Das Flüstern des Wassers (Paul Denham Austerberry, Shane Vieau und Jeff Melvin)
Dunkirk (Nathan Crowley und Gary Fettis)

Branchenliebe für den Film trifft Auge für historische Details trifft verträumte Stilistik: The Shape of Water sollte hier gewinnen.

Beste Kostüme
Die Schöne und das Biest (Jacqueline Durran)
Der seidene Faden (Mark Bridges)
Die dunkelste Stunde (Jacqueline Durran)
The Shape of Water – Das Flüstern des Wassers (Luis Sequeira)
Victoria & Abdul (Consolata Boyle)

Bei den Kostümen gewinnen gerne Filme, die implizit oder explizit von Mode handeln, insofern: Der seidene Faden hat Heimvorteil ...

Beste Filmmusik
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Carter Burwell)
Dunkirk (Hans Zimmer)
Der seidene Faden (Jonny Greenwood)
The Shape of Water - Das Flüstern des Wassers (Alexandre Desplat)
Star Wars – Die letzten Jedi (John Williams)

Die Academy liebt Alexandre Desplat, The Shape of Water kommt generell sehr gut in der Branche an und mit einer romantisch-verspielten Klangästhetik, die das nautische Element widerspiegelt, ist dies obendrein ein guter Kompromiss: Sowohl jene, die originelle Musik bevorzugen, als auch jene, die klassische Leitmotive hören möchten, bekommen hier was geboten - und könnten daher ihre Stimme für Desplat abgeben.

Bester Filmsong
• Remember Me (Coco; Kristen Anderson-Lopez und Robert Lopez)
• Mystery of Love (Call Me By Your Name; Sufjan Stevens)
• This is Me (Greatest Showman; Benj Pasek und Justin Paul)
• Stand Up For Something (Marshall; Musik: Diane Warren; Text: Lonnie R. Lynn und Diane Warren)
• Mighty River (Mudbound; Mary J. Blige, Raphael Saadiq und Taura Stinson)

Persönlich wäre ich für This is Me oder Mystery of Love, aber die Reaktionen auf Remember Me sind einfach zu stark, als dass ich gegen ihn vorhersagen würde ...

Bester Tonschnitt
Baby Driver (Julian Slater)
Blade Runner 2049 (Mark Mangini und Theo Green)
Dunkirk (Richard King und Alex Gibson)
Star Wars – Die letzten Jedi (Matthew Wood und Ren Klyce)
The Shape of Water – Das Flüstern des Wassers (Nathan Robitaille und Nelson Ferreira)

Bester Ton
Baby Driver (Julian Slater, Tim Cavagin und Mary H. Ellis)
Blade Runner 2049 (Ron Bartlett, Doug Hemphill und Mac Ruth)
Dunkirk (Mark Weingarten, Gregg Landaker und Gary A. Rizzo)
Star Wars – Die letzten Jedi (David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce und Stuart Wilson)
The Shape of Water – Das Flüstern des Wassers (Christian Cooke, Brad Zoern und Glen Gauthier)

Dunkirk hat einen intensiven, dennoch viele Ebenen aufweisenden Sound, der die nicht zu sehende Gewalt kompensiert und die Actionszenen somit trotzdem mit einer Fallhöhe ausstattet. Mein Favorit beim Ton wäre zwar Baby Driver und beim Tonschnitt Blade Runner 2049, aber ich glaube, die Academy kann Nolans Kriegsfilm hier nicht widerstehen ...

Bester animierter Kurzfilm
Garden Party (Victor Caire und Gabriel Grapperon)
Dear Basketball (Glen Keane und Kobe Bryant)
Negative Space (Max Porter und Ru Kuwahata)
Lou (Dave Mullins und Dana Murray)
Revolting Rhymes (Jakob Schuh und Jan Lachauer)

Dear Basketball wurde während Bryants Rücktrittsfeier vorgeführt und bekam so intensive Gratispromo, darüber hinaus liegen die LA Lakers vielen in Hollywood am Herzen. Hinzu kommt vielleicht noch der Glen-Keane-Bonus ...

Bester Kurzfilm
The Eleven O’Clock (Derin Seale und Josh Lawson)
My Nephew Emmett (Kevin Wilson, Jr.)
All of Us (Katja Benrath und Tobias Rosen)
The Silent Child (Chris Overton und Rachel Shenton)
DeKalb Elementary (Reed Van Dyk)

DeKalb Elementary ist im von Schulamokläufen gerüttelten Amerika die aktuellste und emotional aufrüttelndste Wahl ...

Bester fremdsprachiger Film
The Insult (Libanon)
A Fantastic Woman (Chile)
On Body and Soul (Ungarn)
The Square (Schweden)
Loveless (Russland)

Ich lehne mich aus dem Fenster und tippe auf das Justizdrama The Insult, das thematisch die Academy reizen könnte. Die meisten Oscar-Blogger setzen auf den chilenischen Beitrag und The Square ist mehr oder minder der Kritikerfavorit, aber ... vielleicht nehmen sie sich gegenseitig die Stimmen weg?

Beste Kurzdokumentation
Edith + Eddie (Laura Checkoway und Thomas Lee Wright)
Heaven is a Traffic Jam on the 405 (Frank Stiefel)
Heroin(e) (Elaine McMillion Sheldon und Kerrin Sheldon)
Knife Skills (Thomas Lennon)
Traffic Stop (Kate Davis und David Heilbroner)

Heroin(e) hat Netflix' aufwändige Werbekampagne im Rücken, aber Traffic Stop als Film über rassistische Polizisten und Edith + Eddie als rührende Doku über das älteste (verbuchte) noch lebende gemischtethnische Paar treffen den Zeitgeist. Ich tippe leicht auf den Positivismus von Edith + Eddie ...

Bester Film

Call Me By Your Name (Produzenten: Peter Spears, Luca Guadagnino, Emilie Georges und Marco Morabito)

Die dunkelste Stunde (Produzenten: Tim Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce, Anthony McCarten und Douglas Urbanski)

Dunkirk (Produzenten: Emma Thomas und Christopher Nolan)

Get Out (Produzenten: Sean McKittrick, Jason Blum, Edward H. Hamm Jr. und Jordan Peele)

Lady Bird (Produzenten: Scott Rudin, Eli Bush und Evelyn O'Neill)

Der seidene Faden (Produzenten: JoAnne Sellar, Paul Thomas Anderson, Megan Ellison und Daniel Lupi)

Die Verlegerin (Produzenten: Amy Pascal, Steven Spielberg und Kristie Macosko Krieger)

The Shape of Water - Das Flüstern des Wassers (Produzenten: Guillermo del Toro und J. Miles Dale)

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Produzenten: Graham Broadbent, Pete Czernin und Martin McDonagh)


Machen wir es kurz: Es wird höchst wahrscheinlich entweder Three Billboards (großer Web-Backlash, doch große Unterstützung durch die Schauspieler, die ihm einen Gewerkschaftspreis fürs beste Ensemble gegeben haben), Shape of Water (der keine Ensemble-Nominierung bei der Schauspielgilde erhielt, was statistisch einen Oscar-Sieg enorm erschwert - doch der Film kommt generell gut an) oder Get Out (dem es an einer statistisch sehr wichtigen Schnitt-Nominierung mangelt, der dafür aber die große Zeitgeistwahl wäre).

Für mich sind die Chancen ungefähr gleich verteilt, weshalb ich meine Hände verzweifelt in die Luft schmeiße und auf Get Out tippe. Es wäre der historisch beeindruckendste unter den möglichen Gewinnern, und wenn ich eh nur eine 33,33%-Chance habe, richtig zu liegen, dann will ich wenigstens beim denkwürdigen Ausgang des Rennens korrekt getippt haben!